PANTALLA SÓNICA #6 | Agnès Pe

Agnès Pe investiga y trabaja de forma autodidacta y multidisciplinar en torno al audiovisual, siempre con sentido del humor y bajo los parámetros de la llamada estética o cultura del error. Es de Lleida aunque actualmente reside en Madrid y mantiene un fotolog donde cuelga fotos a diario. Le gustan las cassettes y los bazares chinos de Usera. Con ella hablamos este mes sobre creación sonora, espacios de arte y cine outsider. También nos acordamos y mucho de John Oswald.

Hola Agnès, un placer tenerte este mes en Inquire Project. Al entrar en tu web me llama la atención, me gusta el propio entorno y que te presentas reafirmando con cierta ironía “OK, I’m an artist” (por si a alguien no le había quedado claro)

Sí, más bien es sarcasmo, la palabra “artista” me incomoda.

Hace poco aparecía en el diario.es un artículo de JM Costa celebrando “los 20 años de la llamada música del error” o lo que es lo mismo el 20 cumpleaños de la edición del album  94 Diskont del grupo alemán OVAL. Con ellos quedó inaugurada la era del glitch, ¿eres en gran medida hija y artista de esa generación?

La estética del error es algo que siempre me ha fascinado. A nivel creativo, no es que me deje llevar por el propio error sino que lo busco, lo fuerzo y lo refuerzo. En el error hay misterio, hay más allá, es abierto y se puede continuar.

El error forma parte de la historia, forma parte de lo material e incluso de lo inmaterial. Como bien recalca JM Costa en el artículo que citas, el error fortuito ha llevado a muchos descubrimientos, sobre todo en el campo de la investigación -ya sea científica o social-. Otra cosa es relacionar el error con la tecnología, entonces ya si que podemos hablar de glitches o bugs. En todo caso, OVAL no está entre mis referencias a la hora de componer o interpetar música, más bien están las cosas más comunes, mundanas o amateurs: los músicos del metro o de cercanías, el escaparate del zapatero de al lado de casa, los diseños de los flyers de prostitutas de los barrios periféricos… como ves, muchas cosas no relacionadas con lo musical. Tiene que ver con una cierta actitud que desprende lo cercano y común, más que con referencias musicales o sonoras.

Sí, justo pensaba en enlazar los conceptos “del error” y “lo amateur”, como se conciben socialmente en contraposición a como los trabajas tu interesándote por “alterar” a través de tus proyectos las normas establecidas dentro del arte contemporáneo, transformando esas pequeñas cosas del día a día y de la “realidad”, alejándote en definitiva de eso tan serio que es lo denominado como “profesional” y reivindicando también el hecho de ser autodidacta… De hecho leí en alguna parte “que exaltas lo precario”.

He estado desarrollando mi  trabajo en instituciones y he podido observar que hay unas formas institucionalizadas de hacer, un cierto display en el arte contemporaneo o “mainstream” actual, y eso me genera muchas contradicciones. Existen ciertas normas, códigos y protocolos. Hay un cierto énfasis en la individualidad, la posesión, la creación… y hay poca autocrítica. Hace tiempo que dejé de ir a galerías y/o museos de arte. Como he dicho, me generan muchas contradicciones y me fijo más en la “belleza” que hay fuera de estos espacios.

Cada vez están apareciendo más canales y espacios alternos, siempre han existido “otros”, y hay más gente trabajando al márgen de lo institucionalizado, tomando las riendas para generar propuestas interesantes, frescas, serias y cuidadas.

Cuéntanos más sobre tus procesos de trabajo y cómo concibes tus obras.

Como “artista” me interesa introducirme en espacios que me son ajenos e interaccionar o mimetizarme con el entorno. Utilizo como metodología para investigar lo que no es visible, con una atención al “campo total”.

Como líneas de investigación tomo como referencias culturales lo extremo, lo no visible y lo precario, lo que puede considerarse o bien roza lo outsider. Me interesan las formas no aceptadas, el “amateurismo” -pasión gestionada- frente a la profesionalización -técnica- y la baja tecnología -precaria-. Lo sonoro, lo audiovisual, la web… son soportes o intrumentos a los que recurro para plasmar y alterar las representaciones. Así, mediante la creación de nuevos significados, actúo como la negación de una cultura que busca su justificación ideológica en aquello “único”.

Eres de Lleida, allí estudiaste en FP el grado superior en técnico de imagen y después te trasladaste a Valencia para continuar con los estudios universitarios en la licenciatura de Comunicación Audiovisual. Después de hablar y fomentar tanto lo autodidacta, como recuerdas esos años de formación y el paso por la institución académica. 

El sistema educativo establece muchas relaciones jerárquicas y acaba convirtiéndose en una especie de cárcel repleta de burocracia, en la que tienes que ceñirte a unos contenidos caducos y poco interesantes en su mayoría. Nunca le encontré mucho sentido al tipo de aprendizaje que se imparte pero continué, dejándome moldear lo mínimo… era más propensa a un aprendizaje divergente. Por ejemplo, aprendí y obtuve muchas referencias cinematográficas, que nunca se citaron en el aula, a través de blogs especializados en cine. No “pasé por el aro” a pies juntillas, más bien de puntillas y aproveché bastante el tiempo “libre” del que dispones estudiando una carrera como Comunicación Audiovisual, así como los recursos que proporcionan las infraestructuras académicas.

Empiezo a conocer tu trabajo gracias al Zarata Fest y Pantalla Fantasma ¿Cuándo empieza tu vinculación a la ciudad, a los espacios de arte y culturales de Bilbao?

En 2006 viajé a Bilbo para conocer y ver en directo a John Oswald. Él participaba en unas jornadas llamadas Copy your idols. Años después, volví y estuve un año residiendo y estudiando en Bilbo. Sintonicé rápidamente con la ciudad que, pese a ser pequeña, es muy dinámica y diversa culturalmente hablando. Recuerdo días en los que después de ir a escuchar bilbainadas acababa en Larraskito escuchando un concierto de música experimental. En general me sentí muy cercana con la actitud de la gente y las formas de proceder.

La primera vez que estuve en el Zarata Fest -festival de música rara y afines que organiza el músico Miguel A. García- toqué junto a Estanis Comella. La siguiente edición tocamos con el grupo Román Ramón -grupo de ruido y collage sonoro que formábamos junto a Lucía C. Pino y Po Poy- y  Miguel me propuso que pinchara al finalizar los conciertos. A partir de ahí se estableció un vínculo contínuo.

Y la labor de investigación y visibilidad cinematográfica qué está haciendo Jorge Núñez en el festival de cine Pantalla Fantasma es demencial. En ésta última edición -que se celebrará el próximo mes de enero en Bilbao en el espacio Puerta- he tenido la oportunidad de participar en el comité de selección junto al cineasta Bob Moricz. El poder visionar trabajos realmente arriesgados, que se clavan como un alfiler ardiendo en el propio cine, ha sido una experiencia muy gratificante.

Otro espacio de cabecera para ti es Hangar en Barcelona donde has participado en sus Sesiones Polivalentes ¿Cómo fue tu experiencia por allí? Y ahora que estás viviendo en Madrid, no sé como ves la escena local y si echas en falta esos espacios de producción al margen de la institución que sí existen en Bilbao o Barcelona. 

Estuve un año residiendo en Barcelona, donde estaba cursando un máster y me invitaron a participar en las Sesiones Polivalentes. Es una jornada que organizan de forma anual los artistas residentes. Proponen a gente externa del espacio para tocar, pinchar o bien exponer algun tipo de trabajo. Es una especie de puertas abiertas en formato festivo.

De todas Hangar es un espacio que está en parte financiado por la Generalitat de Cataluña, el Ayuntamiento de Barcelona y una entidad bancaria. La gestión corre por otra parte. Realmente tiene un funcionamiento interno que realmente desconozco pero parece que es un centro modelo en lo que a práctica y gestión artística se refiere.

Sí, quizás el futuro/presente son estos formatos híbridos.

Espacios culturales y de producción abiertos, independientes y autogestionados siempre son necesarios. El problema viene cuándo estos espacios acaban ofreciendo y generando todos lo mismo y se acomodan en su estratégia. La diversidad es importante. La falta de diversidad hace que el arte se convierta en un coto privado de ricos. Eso es muy peligroso y está pasando.

El año pasado la publicación on line Fuego en la nevera nos encargó un artículo en el que desde Playtime Audiovisuales teníamos que seleccionar a 10 videoartistas españoles “under 30″ en el momento de hacer dicha lista. Te incluimos a ti y como ejemplo tu película Azul profundo donde nos llamó la atención el punto de vista subjetivo que le das a toda la obra y que sirve para adentrarnos contigo en realidades cercanas desde nuevas perspectivas. Una manera de rodar ésta del point of view que es constante en tu trayectoria como videasta.

La cámara que suelo utilizar no dispone de un visor y esto ayuda a potenciar el carácter del experimento. El no manejar el cuadro, permite controlarlo y componerlo de una forma menos precisa. Esto es porque la personalización del cuadro (eco de la familiarización de la máquina) no es pues solamente un asunto de “mirada”. De esta forma está presente el propio cuerpo que lleva la cámara, hay esa presión física constante en el acto de filmar: una respiración, un hálito, una presencia.

El POV permite una narración visual en primera persona. Es un punto de vista más íntimo y que permite acercar los materiales. Al ser un punto de vista más subjetivo puede ser más molesto para el espectador, quien se adentra en las acciones y ha de prestar más atención. El espectador se sitúa como una especie de ser invisible. Este tipo de plano permite jugar mucho con el sonido -algo que me interesa mucho en lo audiovisual- creando y simulando situaciones más intesas.

En la lista estaban también Tomás Peña, Tere Solar, David Crespo o Marco Godoy. Antes comentabas que no te interesa el marco institucional o la galería, pero ¿qué relación tienes con el resto de artistas de tu generación? ¿Les conoces? ¿Sigues sus trayectorias? ¿Colaboras con ellos?

Creo que no l@s conozco a tod@s ;)  La verdad es que no estoy muy al corriente de lo que está pasando a nivel de artes plásticas o audiovisuales a nivel institucional. Hay una red muy extensa de creadores de mi generación y tengo la sensación de que hay cierta endogamia. Creo en lo atemporal y más que lo generacional me interesa gente que tiene cierta actitud crítica, sútil, estética y política enmarcada dentro de las artes y la cultura. Por ejemplo, a nivel cercano y conocido, me interesa e intento estar actualizada de trabajos de colectivos como Fur Alle Falle o Left Hand Rotation, entre otros.

A través de la web de Left Hand Rotation también pude descubrirte más ;)

Me intereso por las pinturas de Yast, los hallazgos de Jaime Medina, los carteles de Curro Sevilla, la música y performances de Niebla Fascista, las esculturas y escritos de Elena Aitzkoa, las performances de Ramón Churruca o Frank Castro, los cómics de Grosman, los video-chistes de Miridy, los dibujos de Raúl Dominguez… puede que no sea gente conocida -o sí- en los circuitos de arte actuales, pero a nivel personal me interesan y me aportan mucho, independientemente de que ellos se consideren o no artistas.

Por otra parte me entusiasma colaborar con gente afín. Siempre sale algo nuevo de la mezcla de imaginarios y esas mezclas son irrepetibles. En estos momentos estoy colaborando con la artista Raisa Maudit en la creación de un disco de covers de las Spice Girls. También estoy empezando una nueva colaboración en la radio online Radio On (Berlín), un proyecto encabezado, entre otros, por el artista sonoro Rinus Van Alebeek.

Rodaste también un largometraje

Si, Torre. Nació de estar constantemente grabando un entorno que dejó de serme familiar, pese a haber nacido allí. Se exhibió en la Filmoteca de Murcia, en el ciclo de Fisuras Fílmicas que programaba Javier Fuentes. También en CinePorVenir (Valencia) y fue seleccionado en el festival Pantalla Fantasma (Bilbao) en 2013.

Con Raisa Maudit hablamos de vuestro dueto hace unos meses en esta misma revista. ¡Muchas ganas de que llegue enero y salga todo el Space Nihilista!.

 

 

Retomo el tema musical/sonoro con Niebla Fascista a quienes acabas de citar. Hace tan solo unos días pude disfrutar de la cassette que grabásteis juntos. ¿Como surgió esa colaboración? También la de Román Ramón junto a Lucía C. Pino y Po Poy de la que hablábamos antes. 

La idea y propuesta de unir a Niebla Fascista y Agnès Pe en una misma publicación sonora fue de Héctor Rey, responsable del sello discográfico Nueni Recs. El resultado ha sido un split que se ha editado en formato cassette. Hace un par de semanas se ha editado Maxibon, Mytiliade kaj Lentils (Nyapster, 2015) en el que ha colaborado Niebla Fascista en las voces. Estamos haciendo planes de unirnos musicalmente en un futuro próximo.

Con Román Ramón la cosa fue algo diferente. Era una época en la que vivía con Po Poy en Valencia. Empezamos a pinchar mano a mano en diferentes bares. Nuestra sede oficial era el Café Bar Tope Felicidad y nuestro equipo unos baffles de ordenador. Había una escuela de pinchadiscos: Jason, las CoverGarden, Dj Helados, Guancha y Po Poy… Lo nuestro eran verdaderas batallas de temas musicales a cada cuál más extraordinario. Nosotras eramos Guancha y Po Poy, en las invitaciones a las sesiones que organizábamos siempre mandábamos junto al cartel un jingle avance sonoro de lo que los asistentes iban a poder escuchar. Era todo muy entre amigos, aunque eran fiestas abiertas. A partir de la creación de esos jingles, se nos ocurrió montar un grupo de experimentación y collage sonoro, se lo propusimos también a Lucía C. Pino -a más manos, mejor-. Nuestro sistema consistía en enviarnos unas bases sonoras vía email de forma que las tres interveníamos modificando y agregando sonidos. Los discos se publicaron en Netlabels como Doministiku (Bilbao), PanyRosas discos (Chicago) o en ChirriaSello (Barcelona).

Al final, muchos proyectos surgen de la amistad. Son gente con la que consigues formas de trabajar y de entender afines. Lo mismo ha pasado con Raisa.

Bucear en tu apartado musical en la web es un locurón. ¿Cómo gestionas tantos proyectos a la vez?

La creación sonora es lo que siempre me ha apasionado más y llevo muchos años en ello. Ahora mismo estoy muy ilusionada con la colaboración en Radio On. El medio radiofónico siempre me ha parecido el medio de comunicación masiva más virgen y el menos contaminado.

Escucho mucho también. Siempre saco tiempo para investigar nueva música: gente que empieza a hacer música, curiosidades, etnografía musical, es infinito y cada buen hallazgo es un tesoro que se convierte en batería o vitaminas. Tengo la suerte de estar rodeada de mucha gente que hace música y eso es muy estimulante.

En cuanto a la experimentación sonora, una de las propuestas tuyas que me parece más interesante es Fonética Animal. Explica para todos los que no lo conozcan en qué consiste. Para este proyecto contaste como referencia el trabajo collage de la artista sonora y visual Vicki Bennet aka People like us ¿verdad?

Fonética Animal es uno de los pocos proyectos de mi época académica que sigue en proceso. Es un programa radiofónico de carácter experimental y de collage sonoro que indaga en los sonidos que emiten los animales. Cada entrega está dedicada a un animal diferente, por ejemplo, el programa piloto estuvo dedicado a los pájaros. En ellos se incluye música, testimonios, sonidos en bruto, efectos de sonido, etc… todo generado por dicho animal o bien que nos remite a él. El programa piloto forma parte del archivo RadioArtNet que gestiona José Iges. Vicki Bennet es uno de los pilares de referencia. En general el collage sonoro o la plunderphonia (John Oswald -quien concibió y conceptualizo el propio término-, Negativland,…), el apropiacionismo, la remezcla, etc… son actitudes con las que me identificado siempre a la hora de enfrentarme a lo sonoro.

 

 

I take pictures everyday… y en ¡Usera!!!

Sí, le doy duro a la foto, me mantiene despierta y activa. Paseo bastante y siempre llevo encima una cámara digital, y cómo ya comenté con anterioridad, observo mucho y me estimula mucho la calle. Tengo mala memoria y me gusta fotografiar todo lo que me llama la atención, esas cosas que están cerca y son maravillas. Usera, el inframundo chino, me queda cerca. En general, los bazares chinos son mis galerías de arte favoritas.

“La vieja consigna” feminista de “lo personal es lo político”, ¿cómo te lo tomas? ;)

Al pie de la letra. Y no porque sea una “consigna” feminista. Lo político atañe a cada acto o decisión que un@ decida de forma personal. Lo que acontezca en la esfera privada tiene consecuencias en la esfera social. Somos seres políticos porque vivimos en sociedad y aunque decidamos no hacerlo nuestra decisión será política. La política no existiría si lo político no fuera personal.

Vamos terminando ya la entrevista, ¿qué tienes de aquí a fin de año?

Ahora mismo con vistas al ZarataFest Bilbao (18 y 19 de diciembre) que celebramos ya la décima edición, estoy finiquitando el disco SpaceGirls junto a Raisa. En enero ella tiene su gran y esperada opening, muchas ganas. Estamos trabajando en una edición sonora que saldrá en formato físico en febrero en el sello Powered Hearts Records (EEUU) y preparando con esmero el programa de radio Mitt Paté que se emitirá en Radio On (Berlín).

¡Qué bien todo Agnès! Muchas gracias y ¡felices fiestas!

Muchas gracias a ti Natalia :)

Imagen de portada: Autorretrato de Agnès Pe

Publicado por Natalia Piñuel [Productora cultural desde Playtime Audiovisuales y coordinadora de la plataforma She makes Noise]

– PANTALLA SÓNICA es una sección dedicada a creadoras sonoras y audiovisuales –

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