PANTALLA SÓNICA #3 | Raisa Maudit

Algunos tienen deseo de ser punk toda su vida, Raisa Maudit nuestra invitada de este mes a Pantalla Sónica lo es de verdad. Aúna el punk con el feminismo, el humor, el activismo y “el internet”: por eso nos gusta. Artista multidisciplinar (uno de esos palabros de la cultura que solemos desmitificar las dos) desde su base en el barrio de Lavapiés, donde se encuentra la sede de Storm and Drunk, el espacio que desde hace unos meses gestiona junto al también artista Zony Gómez. Charlamos sobre el pasado, presente y futuro de sus numerosos proyectos.

Hola Raisa, soy muy fan tuya así que me hace especial ilusión este encuentro.

A mí también, quizás porque soy una persona de ilusión fácil pero sobre todo porque me hace mucha gracia que tú me entrevistes, tengo altas espectativas al respecto

Dado lo prolífico de tus actos durante los últimos tiempos ** te presento como artista multidisciplinar, guerrilla girl patria, cyberstar del videoarte, gestora cultural punk, dancer, mediadora cultural, crítica social, postcómica (en el sentido más performativo del término cómico) Si tuvieras que “etiquetarte” o explicar de manera sencilla todo tu trabajo ¿como lo harías?

Pues la verdad, con todo lo que has dicho. Siempre he pensado que las etiquetas tienen que ponértelas las demás, que es muy petulante pensar en ti misma en tercera persona, como si fueras una Marca. Pero en el mundo del arte es importantísimo hacerlo y eso me desagrada. Para ello tengo un statement muy correcto, lleno de palabros y lugares de concenso teórico… pero realmente es mucho más sencillo. Lo que a mí me gusta es lo que hago, y lo que hago quiero que sea un TODO. Quiero crear situaciones, lugares, reacciones, piezas físicas que generen fricciones con los poderes establecidos, con los lugares de confort y con todo lo que damos por sentado porque nada debe darse por sentado, nada debe darse como establecido, quiero que revierta sobre la sociedad. Procuro hacerlo de forma viva y expandida desde lo más personal lanzándolo a lo público, a internet y la calle tanto como con formatos más definidos de carácter expositivo o galerístico. En ese sentido soy una persona invasiva y una persona sin miedo. Y digo sin miedo porque La Academia va por otros derroteros y no me da miedo pensar en eso, en lo que implica para mi carrera. Pienso que es el camino correcto, si es que hay uno.

A mí particularmente me gusta pensar en ti como ” princesa sublipunk” dentro del arte contemporáneo…

Princesa sublipunk me gusta mucho. Si no fuera como soy me gustaría reinar, y que luego se levantara el pueblo y acabaran con todo.

Conocí tu obra hace unos 4 años en el Espacio Trapezio donde en el marco de la exposición “Preparados, listos, ya!” podía verse tu video “Far Globar Art Fair” una obra que me causó gran impresión y que después desde Playtime Audiovisuales pudimos proyectar también en el Ciclo “Genealogias Feministas en el Arte Contemporáneo Español” del MUSAC. En esta obra despuntaba ya uno de los temas recurrentes en toda tu trayectoria y es la visión crítica del llamado “aparato del arte contemporáneo”; las ferias, los curators y los propios artistas, sobre todo esa figura incierta que es la del artista emergente, todo envuelto con barroquismo y un grande sentido del humor. ¿Cómo fue la producción de esta obra y que significó para ti hacerla?

FART es una obra a la que le tengo muchísimo cariño. Surgió porque al poco de mudarme a Madrid desde Barcelona al acabar la carrera quería hacer esta pieza y necesitaba equipo. Desgraciadamente vi que no había ningún lugar similar a Hangar donde acceder a equipo sin que fuera una ruina. Así que junto con mi compañera de piso de entonces, que era actriz y buscaba trabajo, lanzamos una petición para crear una Cooperativa de Audiovisuales en una página de bolsa de trabajo para cine. Conseguimos un equipo de unas 25 personas y empezamos a trabajar en proyectos a cambio de tiempo. Yo pude realizar FART invirtiendo muy poco dinero y consiguiendo un equipo audiovisual y un equipo de profesionales esquisito con el que llevarlo a cabo, a cambio yo hacía de dirección de arte y etcéteras en los proyectos de los demás. La producción se realizó en un Centro Social Okupado de la ciudad, y en mi estudio de entonces. Fue una gran experiencia, aunque la Cooperativa dejó de existir poco después. Y FART es una obra que me ha generado muchas alegrías como esa participación en “Genealogías Feministas en el Arte español” o en “PUNK. Sus rastros en el Arte Contemporáneo” comisariada por David G. Torres en el CA2M, por destacar dos que me han hecho especialmente ilusión.

Recordamos que hasta el 4 de octubre puede verse la exposición del PUNK en el CA2M.

Sí, y luego nos vamos todas, que no somos pocas, de la manita a ARTIUM en Vitoria.

Otro proyecto que me gustaría destacar antes de llegar al momento “S.A.D” es el de “Cultura del Suicidio” que en Madrid también se presentó en el Espacio Trapezio. Un trabajo de investigación itinerante sobre uno de los pocos temas que continúan siendo tabú en la sociedad y que además coincidió con los años peores de la crisis económica en toda Europa. Cuéntanos sobre el proceso y el desarrollo posterior de las presentaciones. Creo además que recibías cartas, mails, mensajes, etc, de personas afectadas y que incluso nos hacías reflexionar a los asistentes proponiendo que escribiéramos nuestra propia “carta de suicidio”

“Cultura del Suicidio” es un proyecto abierto por definición. Dividido en tres partes pero con muchos más tentáculos. Empieza con una instalación sonora que se pone en display para que el público la use y escriba “cartas de suicidio” irresolutas, en las que desahoguen sus preocupaciones, y se ha realizado y realiza en diferentes ciudades del mundo con diferentes contextos en torno al suicidio. Al mismo tiempo hago charlas abiertas donde se pone a la luz la investigación de campo, los referentes en torno al tema, cine, cómic, literatura, casos cercanos. Esas cartas resultantes son agrupadas en temas comunes y analizadas, para luego ser lanzadas a una plataforma online donde tú puedas acceder a ellas y usarlas libremente. Este proyecto surge en 2012 en un principio relacionándolo con las consecuencias de la crisis, pero según iba investigando y teniendo feedback me fui dando cuenta que lo importante sobre el Suicidio, está mucho más allá: es el tabú a la hora de hablar de él. Quebrantar eso es el fin en si mismo. Recibí durante años mucho feedback de personas anónimas, cartas y bibliografía… y eso me hacía querer hacerlo aún más, porque eso significaba que era necesario. Ahora mismo está en pause, no es fácil trabajar sobre estos temas sin que te afecte, así que me lo tomo con calma, es algo atemporal.

“Lo Barroco” en sentido estricto era protagonista de la performance “Escorial Shore” que pudo verse junto a una instalación en el OpenStudio 2014. Aquí dabas vida a la fascinante Ana “Éboli la Cerda” de Mendoza. La acción daba para mucho, personalmente me resultó pura diversión. Podriamos hablar de distintos temas en relación. Por un lado esa mezcla tuya de lo barroco, la cultura pop, camp, la actitud punk, los roles de género, aquí tenias a dos acólitos hombres a tu servicio… También, y es algo que me encanta, cómo organizas las puestas en escena de tus performance y videos, claro ejemplo de que con pocos recursos a nivel económico se puede llegar a hacer mucho y para finalizar ¡la superpregunta! háblame de Zony Gómez que era uno de tus acólitos y que ha terminado siento tu compañero en “Storm And Drunk” (son muchas cosas, contéstame como quieras)

Sí que es verdad que en lo que se refiere a estructura de obra soy una persona barroca. Para mí, para mi lenguaje, lo importante no es menos es más, sino todo es todo. Creo que en la experiencia no se puede hablar de un tema, sentir, transferir, reflexionar o pensar desde un punto de vista lineal, como si de un análisis de un texto se tratase. A mí me gusta trabajar sobre una idea y al mismo tiempo poder hablar de muchas otras cosas más que siempre salen en relación y están vinculadas directamente con esa idea, a título contextual. Los eventos, la experiencia vital, las realidades no se pueden analizar desde hechos aislados. Lo mismo pienso que es el Arte para mí. En ese caso “Escorial Shore” es uno de esos proyectos en los que eso es palpable. Aparentemente es una puesta en escena “barroca” porque es literalmente un personaje barroco en un entorno barroco llevado a la barroquidad del contexto de “constante reality” en el que vivimos, pero al mismo tiempo es un grito anarquista, una declaración de intenciones, una sátira, una performance viva, una reflexión acerca de la censura y de las relaciones de poder establecidas de forma paricarcal por los roles de género binario. Tanto “Escorial Shore” como una gran parte de todos mis proyectos tienen un carácter distópico, emplazados en un espacio tiempo difuso y de carácter narrativo, de algún modo.

Me gusta que te acuerdes de esa vez en OpenStudio2014 y me preguntes por Zony, porque ese fue un día clave. Yo tenía que participar en esto, y quería llevar a cabo esa instalación y la performance, pero quería tener en esa ocasión a dos “lacayos”, así que hablé con Zony y con Tojo (la otro persona con la que comenzó S.A.D) y se lo propuse. Éramos amigas, pasábamos buenos ratos y me apetecía mucho incluirles en esto. Tendrían que ser mis lacayos y no había ningún ensayo, solo tenían que hacer lo que yo dijese y que fluyera. Fue tan bien, que lo que tenía que haber durado 45 minutos duró varias horas hasta que la última persona dejó el lugar. Para mí la energía fue tan fuerte y tan inesperada que ese día decidí que dejaría mi estudio y que me iría con ellas a crear algo distinto, algo que tuviera esa energía y un lugar al mismo tiempo donde poder trabajar yo y sentirme a gusto. Zony es algo maravilloso, alguien muy importante en mi vida.

A Madrid le hacía mucha falta un proyecto y un espacio como “Storm and Drunk”
Esta pregunta te la han hecho un montón el último año, servidora no iba a ser menos así que ¿cómo surge Storm and Drunk aka S.A.D? ¿de dónde procede el nombre? y ¿qué hacéis desde vuestro sitio en Lavapiés?

S.A.D surge desde la amistad, como una apuesta arriesgada y con fines comunes. Cuando yo abandono mi estudio, Zony tenía alquilada una nave en Lucero y empezamos a hablar de hacer algo que no fuera un lugar de trabajo sino que fuera un lugar donde puede ocurrir lo que no ocurre en una ciudad como Madrid. Cosas que no ocurren, no porque sean esencialmente nuevas o vanguardistas, sino que están silenciadas por actitudes y estructuras viciadas dentro del Mundo del Arte. En ese sentido también surge el nombre Storm And Drunk haciendo un guiño al Sturm und Drang alemán y a su visión (de hace varios siglos) de rebeldía y actitud contestataria. A través de eso, cuestionamos desde la “originalidad” y la autoría hasta los roles de género, como la política, como el sinsentido de la estructura artística de la ciudad absolutamente cerrada al presente cuando realmente no hay ni un coleccionismo ni un sistema sólido y sostenible en el Arte. Por eso Storm And Drunk es un espacio de trabajo individual (de Zony y mío) la base de operaciones de un colectivo activo que genera contenidos, y un espacio abierto a la comunidad. Creemos que era necesario por esas estructuras viciadas que comentaba, en las que hay unos poderes establecidos que no se sostienen ni económica ni conceptualmente en el devenir de los tiempos y que están alejados del presente político y su pluralidad de afecciones en la práctica artistica. Por eso S.A.D es un lugar trasversal en que puedes hacer cosas que no puedes hacer en otros lugares y al mismo tiempo poder demostrar que eso no es algo maldito ni está fuera de los circuitos. Para mí es un lugar de libertad, revolución y una forma de romper con la competitividad entre artistas, los juegos de poder, la pérdida de discursos, y ser sinceras y frágiles y fuertes a la vez. Porque no somos una galería, no lo somos no, somos dos artistas que abren su espacio, y hacen su trabajo como artistas individuales tanto como colectivo y se unen para dar algo más al mundo que su propia obra, somos una tormenta.

Hablemos del crowdfunding que lanzásteis hace unos meses bajo el nombre “Queremos crear tormenta” y que ¡felicidades! ha terminado con gran éxito consiguiendo ese objetivo de 3.500€. ¿Por qué esta vía de financiación y no la habitual de ayudas públicas para este tipo de espacios?

No tenemos nada en contra de la financiación pública desde el punto de vista de nuestra asociación. Pero no confiamos en ello, los concursos, las becas en muchas ocasiones dependen mucho más de la política de turno del partido de turno y de su no-cercanía a lo que es la escena contemporánea que a un criterio abierto. Así que antes que nada, y casi desde el minuto uno sabíamos que haríamos un crowdfunding. Porque un crowdfunding une, es independiente, es valiente, y hace que todo el mundo que participe y apoye sea también parte del proyecto. Es como un compromiso y eso es una de las cosas que queremos aportar a la ciudad, unión, fraternidad, equipo y valentía. Pero bueno, eso no quita que no nos presentemos a ayudas públicas, de hecho también lo hemos hecho para pagar honorarios y producción a las artistas que pasen por aquí, pero estamos a la espera.

Claro que sí.
Una de las exposiciones que pudimos ver en “Storm and Drunk”, ésta en vuestra anterior ubicación en el barrio de Lucero, fue “Miley in Spain” donde le dabais una vuelta a Miley Cyrus como icono pop. Miley se ha declarado publicamente feminista y bisexual, de hecho se autodenomina “gender fluid”‘. Se puede afirmar que a día de hoy ¿es una de vuestras musas? ¿Habéis hecho por llegar a ella o que le llegara esta exposición de alguna forma?

No es exactamente una musa, Miley es como una representación de los tiempos. De cómo algo absolutamente mercantilizado y desposeído de significado puede funcionar como un agente revolucionario. En ese sentido Miley es un contenedor vacío pero lleno de multireferencias y prácticas que re-producir desde un punto de vista crítico. Lo menos interesante de Miley es su música y en parte ella misma, nos interesaba ella como contenedor generacional. Ahora es una adalid de las reivindicaciones de género, y la verdad es que nos lo esperábamos, cuando nos enteramos fue como… como lo que tenía que ocurrir.

Nuestro plan con “Miley in Spain” era como ya sabes, falsear su producción como artista plástica desde un punto de vista crítico para hablar de otras cosas, de la inocencia, del desamparo, de la falta de recursos, del pop, del underground, y de la autoría. Para eso la idea fue y es hacerle a llegar a Miley lo que hicimos, y así cerrar el círculo. Así que sí, lo haremos, pero no queríamos ni queremos hacerlo meramente taggeandola en instagram, queremos que sea epic, así que lo más posible es que el cierre de ese proyecto sea invadir a Miley, estamos en ello ahora mismo, que le llegue un bombardeo de purpurina y contexto político firmado por ella sin ella y sin su dinero.

¿Como ves el tema de la cuestión de género en el maisntream? parece que en los últimos tiempos hablar de feminismo “está de moda”.

Yo tengo sentimientos encontrados, por un lado me perturba el feminismo Beyoncé o el queer de Miley porque surgen de lugares de confort, de poder, de consumo rápido, que repiten estructuras que no deberían estar, pero por otro lado es el cuento de siempre, nada nuevo. Ya ha pasado antes. Por ejemplo tras las Riot Grrrls surgen en Europa las Spice Girls con un “girl power” absolutamente fácil de interiorizar, amable, comprable y adictivo. Esto es lo mismo. El mainstream coge la contracultura y le lava la cara y la lanza suavecita, “harmless”. No es una cuestión de estar a favor o no, es una cuestión de cómo funciona el sistema. Lo realmente importante no está ocurriendo allí, lo que marca la diferencia siempre está fuera de esa onda, aunque esas representaciones edulcoradas mainstream también por otro lado generan algunas respuestas positivas dentro toda la designificación que representa. Lo dicho, sentimientos encontrados.

Más recientemente en S.A.D. hemos podido disfrutar de la exposición colectiva “LIBER MMM – The Studentship Syllabus of the Storm” que incluía también un video tuyo “Twerking para la revolución. A las barricadas, papi”. Una pieza que sale de un curso performance que impartiste en la Sala de arte joven de la Comunidad de Madrid. “Si no puedo bailar, no es mi revolución” dijo nuestra heroina feminista Emma Goldman. Ahora afirmamos que si una no puede perrear o hacer twerking tampoco interesa manifestarse…

No exactamente, es más bien empoderarte de tu culo. El twerking surge desde la contracultura negra, como el vogue, en el fondo es un lugar de empoderamiento racial, de fricción de clases y recientemente ha sido absorvido por el mainstream blanco (Miley entre ellas) y designificado como te contaba antes. Entonces yo lo vuelvo a designificar otra vez más convirtiéndolo en un acto anarquista, grotesco, torpe y sátiro. Yo soy una mujer blanca enseñándote a hacer twerking para hacer una revolución, una guerra entre poderes usando el culo. Haciendo un twerking absolutamente incomparable al twerking negro o al perreo latino. En esa des-designificación lo que sí se plasma es que no hay revolución, no hay manifestación, no hay museo sin el cuerpo, sin romper la forma sin dejarte llevar no necesariamente haciéndolo bien. Lo importante es reconciliarnos con los cuerpos y convertirlos en armas tanto discursivas como revolucionarias. Por eso pienso que lo importante es el culo, lo sucio, lo torpe y lo libre.

¿Qué nos depara S.A.D para la próxima temporada?

Pues para empezar en septiembre abrimos la temporada con “Back to Academy” una propuesta de la que sólo te voy a decir palabras clave. Britney Spears, La Academia, carpetas adolescentes, becas de arte y Carrie.

También habrá cenas veganas en las que tendrás que intentar degustar una comida deliciosa mientras se debate y se proyectam contenidos entorno a la liberación animal, el capitalismo, la ecología y las fricciones del veganismo hipster. Y también te voy a adelantar que se harán unos ciclos expositivos vía skype, con el display que permite la instantaneidad de hablar face to face, tener un proyector y una impresora con artistas, colectivos, espacios entorno al Queer desde un punto de vista crítico de forma internacional. Estamos cerrando colaboraciones con Nicaragua, UK, etcétera.

Esto de ser artista y gestora cultural ¿qué tal se lleva a todo esto?

Con mucho autoesclavismo. Pero soy una persona que si está parada se bloquea, es como un lugar de paz a la vez. Lo disfruto mucho, aprendo mucho, crezco mucho, me hace fuerte porque me siento útil. Porque pienso que es algo importante. Es agotador, pero al mismo tiempo muy muy estimulante.

Volviendo a tús proyectos especificamente como artista visual, ¿tienes entre manos un disco con Agnès Pǝ?

Si, estoy creando un disco mano a mano con Agnès que es una artista que me parece muy interesante en muchos sentidos, y con la que me apetecía hacer algo. En concreto es un disco de versiones de las “Spice Girls” que forma parte del proyecto Space Nihilista que es un proyecto expositivo expandido de revisión de mi biografía a base de reconstruir y re-inventar a las Spice Girls (y esos contextos de los que te hablaba antes) haciendo tomar papeles de diferente importancia a personas que están por mi vida o comparten mi vida de diferentes formas. Dando la posibilidad de que reinventen mi propia biografía sin necesariamente contar con mi aprobación o con la “realidad” de los hechos.

De momento “Space Nihilista” es un proyecto que podemos seguir en la plataforma tumblr, ¿cuándo y cómo pasará al espacio físico?

Sí, pasará al espacio físico a principios de 2016 en la galería Swinton And Grant. Y he decidido que al igual que las componentes de mis Spice Girls, las Space Girls, también debe ser comisariado por una mujer con la que comparta amistad. En este caso le he propuesto el comisariado a Nerea Ubieto, una joven comisaria que apunta fino y en la que confío mucho a la hora de trabajar con ella y con el equipo de Swinton este proyecto tan… impredecible.

Tú que eres una persona tímida y con un discurso muy muy serio ¿cómo te transformas o por qué decides tener esta personalidad on line tan potente, atrevida, llena de guasa y tan prolífica?

Me hace mucha gracia que detectes que soy tímida, la gente no se lo imagina. Pero no soy exactamente tímida, es más bien introvertida, me gusta mantener mi intimidad muy controlada (por eso estoy intentando quitarme ese taboo con el proyecto de Space Nihilista) y en las redes sociales, internet, esa presencia online está absolutamente calculada y no tiene porqué ser sincera. Es más, en muchos casos no lo es, en muchos casos es un juego para valorar las reacciones externas o ejecutar una acción efímera. Me gusta porque gestiono mi propia imagen, mi propia proyección, encuentro que es un lugar performático en el que jugar con lo que interpretan los seguidores. Y al mismo tiempo internet es el lugar en el que te autogestionas tu visibilidad. No estamos en los años dorados en los que te daban un premio, luego te podías permitir elegir entre muchas galerías locas por tenerte y que te pagaban la producción, producciones de varios ceros…. Hoy en día todo está cogido con pinzas así que para mí es el lugar de asegurarme mi propio gestión de recursos, desde visibilizar mi trabajo, conseguir un equipo que necesito, o investigar. Es importante tener eso, hoy en día tenemos que tener en cuenta que en España, en el mercado del arte, realmente los coleccionistas son los padres. Tienes que estar preparada para tener muchos lugares y no lugares a los que acceder sin regalar tu trabajo.

Quería terminar no preguntándote por tus referentes (aunque si citas alguna estupendo también) pero sí por tus compañeras, artistas españolas coétaneas con las que te sientes bien. En el proyecto “Space Nihilista” colaboras con Agnes, Teresa Arroyo, Arantxa Boyero y Olalla Gómez. ¿Cómo son ellas? ¿Cómo sois todas juntas?

Lo de los referentes es algo difícil, realmente los referentes son lo que me rodea. Creo que es importante superar el momento “citación” de un artista. Lo más importante es saber lo que haces y porqué lo haces, pero hay que dejar de justificarse con el trabajo teórico o artístico de otras personas para validar tu trabajo. Así que siendo sincera, mis referentes son mis amigas, internet (por si no ha quedado claro ya), el entorno político, lo que siento, el cine sobre todo, la cultura popular, los antisistema, la contracultura, la gente que está completamente fuera del Arte, el cómic, etc…. Aunque lo que sí hago es admirar a muchos artistas aunque no sean necesariamente referentes para mi trabajo, admirarles como espectadora, que eso lo soy mucho. Luego sí que establezco son vínculos, pero pocos, con artistas de mi generación. Y digo pocos porque hay algo muy feo dentro de la escena artística y es la competitividad entre artistas, en muchos casos muy insana y oscura, y a mí eso me perturba mucho, no lo entiendo, y me genera mal cuerpo y ansiedad. Así que me rodeo con artistas como Arantxa Boyero o Olalla Gómez o Agnès Pǝ porque están por encima de todo eso, y me hace sentir bien su compañía. Aparte de que da la casualidad de que me gusta mucho su trabajo.

En Space Nihilistas Arantxa, Olalla, Àgnes y Teresa tienen esos papeles de importancia no por su trabajo artístico sino por su relación conmigo. De hecho Teresa no es artista. A Agnes la conozco desde hace poco pero me fascina, tenía muchas ganas de trabajar con ella. Y Teresa, Olalla y Arantxa forman conmigo las Space Girls (junto a la quinta Alejandría Cinque, que no es mujer, pero sí nominalmente de una forma expandida, una acción artística) porque con ellas comparto parcelas de mi vida y mi intimidad muy importantes. Teresa y Olalla son mi akelarre, personas con las que comulgo en opiniones y con las que quedo muy a menudo para desahogarnos de las preocupaciones, cagarnos en las injusticias, pedir consejo y protegernos mutuamente. Es literalmente un akelarre. Y Arantxa y yo somos personas muy diferentes pero personas muy naturales, así que sorprendentemente visto desde afuera tenemos una bonita amistad basada en esos extremos. Cuando nos juntamos, para cualquier cosa, desde un café a una inauguración, nunca sabemos ninguna de las dos a donde nos va a deparar las siguientes horas… Y siempre sabemos que eso va a pasar. Compartimos mucha intimidad de forma muy natural.

Así que sabiendo esto te haces a una idea, es un poco una bomba de relojería, ellas tienen la posibilidad desde el proyecto de Space Nihilista de hacer uso de esos secretos que mantienen conmigo, esos lugares de vulnerabilidad o simplemente no, simplemente recrear una historia nueva y yo no podré hacer nada al respecto.

Un placer charlar contigo Raisa, quedamos pronto para tomar una horchata en nuestro local favorito ^^

Más pronto que tarde que nos cierran La Fábrica en otoño :)

Imagen de portada: Autorretrato de Raisa Maudit

Publicado por Natalia Piñuel [Productora cultural desde Playtime Audiovisuales y coordinadora de la plataforma She makes Noise]

– PANTALLA SÓNICA es una sección dedicada a creadoras sonoras y audiovisuales –

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